Exposición Colectiva

Sangree / Paul Nevin / Ivan Krassoievitch

 

La escultura actualmente es absurda, sensible y falsa. Es decir, no en una connotación de carácter, sino en términos del papel que juega en el arte contemporáneo. En el caso de SANGREE, por ejemplo, estas apropiaciones de la escultura moderna que nos pueden remitir al trabajo modernista de Henry Moore, pero que también hablan desde un sarcasmo futurista de la reapropiación y rescate de modelos escultóricos prehispánicos como el Chac Mool, hacen sentir que la escultura como lenguaje artístico y como contenedor conceptual está de alguna manera agotada, es decir, solamente como percepción no como afirmación: percepción en tanto que hay un numeroso grupo de artistas a nivel internacional como SANGREE que retoman las formas, los temas de la escultura moderna, de la cultura antigua para generar su trabajo y poderlo insertar en las culturas contemporáneas a manera de crítica, pero desde una crítica irónica.

Por otra parte, la escultura es absurda, sensible y falsa en términos de la práctica de lo escultórico por parte de personajes tradicionales, como es el caso de Paul Nevin, donde se ubica entre una tradición que les pesa demasiado porque ni son artistas contemporáneos, ni son Henry Moore, ni Germán Cueto, ni son ningún artista de la vanguardia a principios del siglo XX. Se quedaron en medio de esas dos tensiones históricas, donde no tienen otra posibilidad sino la de hacer de su trabajo un contenedor de memoria, de hacer de su trabajo escultórico una relación intrínseca casi familiar y personalísima donde la escultura se cierra a un sincretismo y a un secreto muy íntimo, personal y subjetivo del hacedor. La escultura se vuelve, en ese sentido, falsa porque las formas ya no son una exploración formal como lo fuese al principio del siglo XX con las vanguardias. Se vuelve absurda porque esta característica tan fuerte de los materiales contrasta con la sensibilidad –por llamarla de alguna manera– que aguarda, que protege la escultura como es el trabajo de Paul Nevin.

Y finalmente, en esta categorización que estoy haciendo estableciendo, aparece el trabajo de Iván Krassoievitch que abreva la tradición de la escultura contemporánea pero que proviene del arte objeto de la década los noventas, es decir, no es meramente escultura porque tiene un gesto hacia la tradición del arte objeto, pero tampoco es arte objeto porque se desplaza como escultura. Es falsa porque no es una escultura, es absurda porque genera estas tensiones de propósito de género artístico pero a su vez es una huella sensible del tiempo que estamos viviendo, donde los elementos cotidianos –como estas macetas para apartar lugares en las calles– hacen un sincretismo donde cualquier objeto nos sirve para improvisar una guarida, una señal, un resguardo.

Octavio Avendaño Trujillo, curador

 

PAUL NEVIN

Bayona, Francia, 1949. El metal es su material predilecto, a través de éste se ha especializado en la abstracción sin dejar de lado sus intensiones líricas. Como escultor pretende traspasar las formas y apelar directamente a lo sensible. «Las esculturas de Paul tienen vida propia. Hacen que su creador vuelva una y otra vez a ellas hasta que finalmente se encuentran satisfechas con el resultado; son ellas las que deciden cuándo deben realizarse y dónde y cómo deben colocarse» (Mónica Ashida sobre Paul Nevin, 2016).

Algunas de sus obras forman parte de colecciones como: Museo de las Artes, Universidad de Guadalajara, Jalisco; Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, Zacatecas; y el Espacio Escultórico del Desierto, San Luis Potosí. Ha realizado exposiciones en México, España, Inglaterra, Francia y Estados Unidos.

 

IVÁN KRASSOIEVITCH

Ciudad de México, 1980. Vive y trabaja en Ciudad de México. Su trabajo parte de la anécdota personal y del relato autobiográfico, donde la apropiación de imágenes y objetos se transforman en gestos que llevan al espectador a reflexionar sobre la falta de autonomía en ciertos actos: el azar. Así como en lo absurdo de la cotidianidad. Enfatizando los procesos subjetivos y aleatorios, en su obra se pueden percibir agudas observaciones sobre la humanidad que parten de lo íntimo para desplegarse en reflexiones más amplias sobre los usos y costumbres de nuestra existencia.

Estudió Diseño Industrial (UAM-X), Guión Cinematográfico (C.C.C.) y más recientemente cursó el programa educativo de SOMA (2011-2013). Su obra ha sido expuesta en numerosos espacios en México, Estados Unidos, Francia, Finlandia y Suecia entre otros. En lugares como Museo de Arte Moderno (CDMX), Casa del Lago Juan José Arreola (CDMX), Museo Nacional de San Carlos (CDMX), Museo Universitario del Chopo (CDMX), Fundación CALOSA (Irapuato), Minibar (Estocolmo), XL Space (Helsinki), Wuhoo Gallery (L.A.) y CAPC museé d’art contemporain de Bordeaux (Burdeos).

Sus proyectos editoriales son Volumen (2002-2006), Protección contra el destino (2013), Ø (2016) y Eras (2017). Ha participado en las residencias de Arteles, Finlandia (2013), Casa Wabi, Oaxaca (2015) y CAPC, Francia (2016). En 2016 ganó el premio de adquisición Arte Lumen en la categoría de artista invitado. Actualmente se encuentra entre los finalistas al Paulo e Cunha da Silva Art Prize.

 

SANGREE

SANGREE es un dúo artístico conformado por René Godínez Pozas (Ciudad de México, 1986) y Carlos Lara (Ciudad de México, 1985). Su obra se define como un acercamiento interdisciplinario al fenómeno de la cultura popular, la historia del arte y los cuestionamientos fundamentales del ser humano.

SANGREE ha expuesto a nivel nacional e internacional postulándose dentro de los artistas emergentes Mexicanos más importantes del momento. Algunas de sus exposiciones individuales recientes incluyen The Grand Design en Yautepec, CDMX, México; Back Burn en BBQLA, Los Angeles, EUA; Piedra Temporal y Sangree by Sangree en la Sala de Arte Público Siqueiros, CDMX, México; Unclassified Site Museum en el Black Cube Nomadic Museum, Denver, EUA; Fingerprints of the Gods en Et Al Etc., San Francisco, EUA; y Murmullos de la Tierra en el Museo del Chopo, CDMX, México.

Su trabajo ha sido publicado en Art Review, ArtFCity, Dazed Digital, Hyperallergic, La Tempestad, i-D, Artishock, Art Viewer y The Art Newspaper, entre otras publicaciones.

 

 

OCTAVIO AVENDAÑO (curaduría)

Ciudad de México, 1985. Curador y gestor de arte. Fue curador en Jefe del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México / INBACONACULTA (20132015) e investigador en el mismo de 2010 a 2012. Ha colaborado con los museos más importantes de México, ya sea realizando exposiciones o impartiendo conferencias, entre ellos el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC/UNAM). Museo Nacional de San Carlos, Museo de Arte de Sonora, entre otros más. Ha sido asesor de la Fundación del Centro Histórico / Carlos Slim (Casa Vecina), asesor de contenidos de arte contemporáneo de TV UNAM, el Instituto Mexicano de la Radio y otros medios de comunicación. Es asesor de la colección de Luciano Benetton (Italia) y de importantes colecciones mexicanas. De igual manera ha realizado exposiciones en Estados Unidos, España, Holanda y Colombia.